Tercer encuentro

En 1975 se produce el Festival de Video Arte en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, con la participación en vivo de Charlotte Moorman, Douglas David y Gerd Stern. De acuerdo a un texto publicado por el MACC en el mismo año, “por primera vez el público venezolano tuvo ocasión de ver lo que en el mundo se estaba haciendo con el medio del video desde un punto de vista experimental y artístico”. El evento fue organizado por la periodista Margarita D’Amico. En el marco del festival, Moorman presentó obras de Nam June Paik, Yoko Ono, Joseph Beuys, yotros integrantes de Fluxus. Esta experiencia nutrió a muchos artistas venezolanos, estableciendo el punto de partida para el Videoarte Venezolano. En este ámbito se distinguieron las experiencias creadoras de Diego Rísquez, el dúo Yeni y Nan (Gonzáles) y Nela Ochoa.

De Nan González vimos el video "Adentro-Afuera". En este trabajo, González revela su preocupación por una de las condiciones más valiosas de la especie humana: la libertad. La artista emula la presencia de una caballo de carrera encerrado en un establo y rodeado por una atmósfera de desconcierto. En palabras de la González, “Adentro-Afuera es un tributo a todos los seres vivos que han sufrido y han perdido su autonomía en las manos del hombre”.

Asimismo, vimos el trabajo "95% iguales" de Nela Ochoa. La obra presentada por Nela está vinculada a su interés por la genética, la cual viene desarrollando desde 1994. Su video, filmado en Bogotá, muestra a una bailarina de ballet en tutú dando vueltas y alzándose sobre la punta de los pies en una casa al estilo Tudor. La imagen de la intérprete y la imagen de un cerdo rosa vestido de tul son yuxtapuestas traslapando los dedos de la bailarina con las patas del cerdi y mezclando los rasgos de ambos personajes. Al final del video aparece un texto que reza: "95% de los cromosomas porcinos corresponden a cromosomas humanos".

El tercer trabajo que analizamos fue el video Síntomas, de Joadny Aldana, circa 2009.

Acto seguido, vimos un fragmento de la pieza "The Quintet of the Astonished, 2000", de Bill Viola, en el que se muestran 5 personas representando distintas emociones en cámara lenta y alta definición. Este trabajo forma parte de la serie "Las Pasiones" y fue inspirada en una pintura de Hieronymous Bosch donde hay un cuarteto de verdugos alrededor de Cristo.

También, vimos dos videos del artista californiano Kent Anderson Butler. El primero se llama "Ascend, 2004" (el ascenso) y muestra la aparición de un hombre -el artista- que asciende, de súbito, sobre las aguas de una piscina. Este video toma como referentes dos obras del emblemático artista Bill Viola: "Going Forth By Day: First Light, 2002" y "The Reflecting Pool, 1977". El segundo video que vimos fue Lament, del mismo año.

Los dos últimos videos que vimos correspondieron a la documentación de dos trabajos interactivos, en el que los participantes se involucran utilizando una interfaz computarizada. El primero de estos fue gestado por Camille Utterback . El nombre de la obra es "Text Rain, 1999". Los participantes tienen la posibilidad de jugar y manipular un sinfín de letras que son proyectadas en una pared, las cuales caen sobre la proyección de los espectadores como si se tratara de una lluvia.

Segundo encuentro

Frente a las máquinas del humanístico laboratorio del edificio B, retomamos la creación de un blog personal y ahondamos en las múltiples posibilidades que ofrece esta poderosa herramienta de difusión. En nuestra exploración por la historia del arte y su vínculo con las "nuevas" tecnologías, realizamos una parada en E.A.T., Experiments in Art and Technology (Experimentos en Arte y Tecnología) un grupo fundado a finales de los 60’s por Robert Rauschenberg, Billy Klüver, Robert Whitman y Fred Waldhauer. Apoyados por Bell Labs, laboratorio donde se produjo la invención del microondas; el transistor; el láser; la fibra óptica; los satélites decomunicaciones; el MODEM; la telefonía móvil; el lenguaje C; UNIX; etc. y basados en el pensamiento de Marshall McLuhan y Buckminster Fuller, los promotores de E.A.T tenían la determinación de que el trabajo conjunto entre artistas y científicos podría generar aportes sustanciales a la sociedad entendida como un todo.

Reconocidos intelectuales y creadores como David Tudor, Anais Nïn, e incluso venezolanos como Marisol (en 1968) y, posteriormente, Rolando Peña (en 1992),participaron directa e indirectamente en este proyecto que abarcó un gran número de países. Las participaciones quedaron documentadas en el inventario de E.A.T. Quedó de esta manera demostrado que la colaboración entre científicos (físicos, ingenieros, matemáticos, etc.) y artistas (músicos, escultores, escritores, bailarines, etc.) genera fascinantes y enriquecedoras aproximaciones al conocimiento. Por cierto, uno de los trabajos más representativos fue gestado entre Andy Warhol y Billy Klüver. Warhol lo tituló “silver clouds”(nubes de plata) y constituyó la invención de los globos de helio metalizados, esos que se obsequian en los cumpleaños, aniversarios y otras celebraciones.

De E.A.T., Rauschenberg y Warhol pasamos a la obra de Nam June Paik y los inicios del Video Arte. Vimos un documental de una exhibición retrospectiva de Paik que se realizó hace el año pasado en la galería James Cohan de Nueva York. La muestra se titula Live Feed: 1972-1984 y reúne 11 video-instalaciones que representan el legado histórico de Paik. Para obtener más información presionen aquí.



Nam June Paik es mundialmente conocido como el primer video artista. Nació en Corea en 1932; estudio música clásica en Japón; se mudó a Alemania donde conoció a Karlheinz Stockhausen y John Cage, así como a Joseph Beuys y Wolf Vostell. Este último lo estimuló a trabajar en el área de las artes electrónicas. En 1964 se mudó a Nueva York donde colaboró con la chelista Charlotte Moorman, combinando el video, la música y el performance. De igual modo, fue uno de los más activos miembros del grupo Fluxus. Paik influyó en la expansión de numerosas nociones artísticas, tanto de la música como de las artes visuales. Su vínculo con la cultura japonesa y con el compositor John Cage produjeron en él una sensibilidad por lo esencial y lo sublime que se ve reflejado en algunas de sus piezas como Zen For Film (1964), TV Buddha (1974), Buddha Reincarnated (1994), entre otros. El Zen (una de las escuelas del budismo que más consideración ha recibido en el mundo occidental) fue para Paik, y para muchos otros artistas de su generación, de gran importancia en la constitución teórica y práctica de los movimientos musicales, visuales y literarios que prorrumpieron en la década de los 60s.



El segundo video que analizamos fue 'Zen for Film' de Nam June Paik, producido en 1964. La creación de esta pieza se gestó a partir de la proyección de cintas de cine en blanco. Indudablemente, existe una estrecha relación con la composición más conocida del músico y artista John Cage: 4’33”, en la que durante cuatro minutos y treinta y tres segundos el pianista interpreta el silencio al no tocar su instrumento. Esta ‘obra maestra’ que trastocó y revolucionó el entendimiento del hecho musical fue escrita e interpretada en 1952. En Zen for Film ocurre una experiencia muy similar a la producida por Cage. La pantalla en blanco suscita la cognición del ahora, poniendo de manifiesto las emociones, sensaciones y pensamientos del espectador, además de los sonidos y olores presentes en el entorno. Esta situación me remite al ‘Blanco sobre Blanco’ de Kasimir Malevich (1918), y a trabajos personales como http://whiteonwhite.net (2003) y White on White on White (2004).

Primer encuentro

Iniciamos este seminario con la presentación personal de cada estudiante. La mayoría oscila entre el 5to y último semestre de la licenciatura en Historia del Arte. Algunos ya están graduados y sólo unos pocos se encuentran realizando estudios de postgrado. Hay, también, una profesora de la Facultad de Arte, un estudiante de música y otros más que llegaron tarde.

A continuación, mostré una presentación donde expongo la evolución que ha transfigurado la terminología vinculada al arte digital desde la década de los 60s hasta el presente. Recordemos que en los 60s las formas tecnológicas de arte eran conocidas como Arte Electrónico. En los 70s recibieron el nombre de Arte Computarizado. Durante los 80s se le designó como Arte Multimedia, vocablo que sigue vigente en Venezuela. Para los 90s ya era conocido como Arte Digital. Actualmente se reconoce esta disciplina como Arte de Nuevos Medios, un término que fue acuñado al final del siglo veinte para designar trabajos experimentales en el cine y el video, así como en el arte sonoro y otras formas híbridas de arte.

Poco después se produjo una discusión sobre aquello que diferencia a un objeto de una obra de arte, de modo que aproveché para tratar algunos ejemplos que conforman la historia del arte, empezando por el minimalismo y la obra de Donald Judd hasta el controversial grupo de Young British Artists y uno de los trabajos de Sarah Lucas. La reflexión sobre el arte, lo utilitario y lo mundano se movilizó hasta el laboratorio de la Facultad de Humanidades y culminó en un vertiginoso salto al urinario de Duchamp.

La segunda presentación abordó la historia de la tecnología informática, desde la concepción teórica del Memex (ancestro conceptual de los modelos de enlace electrónico y de la Internet como una enorme base de datos, conectada y de acceso global) por Vannevar Bush, hasta la aparición de Windows. Luego expliqué lo que es un BBS. Antes que apareciera la red Internet, existió un colectivo de sistemas personales de comunicación que ofrecían la posibilidad de tener una cuenta de correo electrónico local, leer noticias, obtener información de interés general, descargar archivos de todo tipo, jugar en línea y chatear, entre otros.

Estos sistemas eran conocidos como Bulletin Board System (BBS). Para conectarse a un BBS bastaba con tener una computadora y un MODEM conectado a una línea telefónica. Gracias a estos sistemas se desarrolló la producción y conocimiento de una modalidad de creación artística conocida como ASCII y ANSI Art, primeras muestras del arte telemático-digital. El código ASCII es una representación numérica de un carácter como ‘a’ o ‘$’. El ANSI es una variante del ASCII que permite la inserción de color y fue una de las primeras expresiones de arte telemático que se desarrolló con la expansión de los BBS. He aquí un ejemplo:

Después del receso abordamos la creación de los blogs en blogspot, un popular servicio de google. Afortunadamente, fueron pocas las dificultades que tuvimos que sortear. Los estudiantes definieron su plantilla, escribieron su primera entrada y, finalmente, dejaron un comentario con sus datos en el blog central. Hasta aquí nuestro primer encuentro.